PROGRAMA-ITINERARIO en AUTOBÚS (Santander-Bilbao-Santander)

• 9:00 h.: Salida delante de la Estación de RENFE, en Santander (Precio: 5 €)
• 11:00-13:00 h.: Museo GUGGENHEIM de Bilbao (accederemos con invitaciones).
• 14:00 horas: Salida de BILBAO (mismo lugar en el que nos apeamos al llegar).

Mujeres en la abstracción

Mujeres de la abstracción pretende escribir la historia de las aportaciones que las "mujeres artistas" han hecho a la abstracción en el siglo XX, aproximadamente hasta la década de 1980, incluyendo algunas incursiones inéditas en el siglo XIX.

Las artistas se presentan así como agentes y cocreadoras de la modernidad y su legado por derecho propio. Lejos de constituir un mero repertorio, la exposición pone de relieve los hitos decisivos que han marcado esta historia, cuestionando al mismo tiempo los cánones de la abstracción. Además, presta especial atención a los contextos que han favorecido o, por el contrario, obstaculizado el reconocimiento de las artistas: contextos tanto educativos como sociales, institucionales, ideológicos e, incluso, estéticos. De este modo, la muestra revela el proceso de invisibilización que ha afectado al trabajo de estas autoras, exponiendo sus posicionamientos, con todas sus complejidades y paradojas. Muchas de ellas definieron su papel al margen del género, mientras que otras reivindicaron un arte "femenino".

Esta historia quiere ser abierta, abarcando la danza, las artes decorativas, la fotografía y el cine, desde una perspectiva global, que integra enfoques de la modernidad procedentes de América Latina, Oriente Medio y Asia, sin olvidar a las autoras afroamericanas, con el fin de volver a construir una historia con múltiples voces e ir más allá del canon occidental. Mujeres de la abstracción también suscita numerosos interrogantes, comenzando con el propio tema de la exposición: la abstracción, como lenguaje basado en formas plásticas que floreció a principios del siglo XX, entraña múltiples definiciones.

Ellas -las "mujeres artistas"- fueron invisibilizadas en la historia de la abstracción a pesar de su innegable aportación a sus raíces, sus inicios y su posterior desarrollo. Esta historia del arte se forjó a partir de cánones estéticos establecidos en los años treinta a ambos lados del Atlántico en un contexto eminentemente occidental y masculino que es preciso reconsiderar. Además, estos cánones están basados en una sucesión de movimientos artísticos en constante evolución, desdeñando aspectos específicos de la abstracción ligados a sus raíces espiritualistas, decorativas, performativas e incluso científicas.

Por ello, la muestra tiene asimismo como objetivos cuestionar la historia del arte concebida únicamente como una sucesión de prácticas pioneras y revelar las contribuciones específicas de las artistas aquí presentadas. Fueran pioneras o no, cada una de estas artistas particulares, originales y únicas, son parte esencial de esta historia.

"He intentado reivindicar la dignidad y la eterna importancia del ser humano" (Alice Neel: Mike Gold, Daily Worker, 1950)

Alice Neel (1900-1984) es una de las artistas más radicales del siglo XX. Gran defensora de la justicia social, del humanismo y de la dignidad de las personas, se consideraba a sí misma como una "coleccionista de almas".

Sus obras reflejan el espíritu de una época, la intrahistoria de Nueva York, centrándose en quienes han experimentado la injusticia como resultado del sexismo, el racismo y el capitalismo, así como en aquellos que la combatían. Haciendo gala de su naturaleza democrática e integradora, Neel pintó a personas de muy diferentes orígenes y condiciones sociales.
Nueva York fue la principal musa de la artista, escenario de un drama humano del que Neel fue partícipe y que comenzó a plasmar en su obra a principios de la década de 1930. Los turbulentos acontecimientos del siglo XX, entre ellos la Gran Depresión, las sucesivas guerras, el ascenso del comunismo y los movimientos feminista y de los derechos civiles, asoman en su obra de las más diversas maneras. Neel aborda los distintos géneros artísticos con la misma mirada incisiva y empática, ya fueran retratos, paisajes urbanos o bodegones. Atrapa el alma de seres animados e inanimados, pero sobre todo atrapa la nuestra cuando nos enfrentamos ante su obra y vida de lucha constante, cuestionando todo lo establecido sin rodeos, de forma descarnada, con agudeza y naturalidad.

Nueva York, Harlem hispano. Alice Neel

Política de Nueva York. Alice Neel

La comedia humana. Alice Neel

OBRAS MAESTRAS DE LA COLECCIÓN DEL MUSEO GUGGENHEIM BILBAO

Desde sus inicios, el Museo Guggenheim Bilbao ha ido desarrollando una colección de significativas obras de arte, partiendo de la segunda mitad del siglo xx hasta llegar hasta nuestros días. De entre las que en la actualidad conforman estos fondos, algunas destacan por ser iconos de la contemporaneidad, obras que cuando se mostraron por primera vez no dejaron al público indiferente y que, con el paso del tiempo, han afianzado su posición convirtiéndose en auténticos referentes del arte contemporáneo.

Obras maestras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao brinda al público la oportunidad de contemplar una selección de estas piezas, en la que destacan, por ejemplo, la icónica imagen de Marilyn Monroe repetida una y otra vez por Andy Warhol, frente a la expresividad que domina el gran lienzo serigrafiado de Robert Rauschenberg Barcaza, o los Nueve discursos sobre Cómodo de Cy Twombly. El artista alemán Anselm Kiefer o el estadounidense Jean-Michel Basquiat, también están presentes en esta muestra con trabajos destacados, mientras que las esculturas de los maestros vascos Eduardo Chillida y Jorge Oteiza se muestran enmarcadas en su contexto internacional.

SHARON LOCKHART. ROTACIÓN NOTACIÓN

El programa Film & Video del Museo Guggenheim Bilbao está permanentemente comprometido con las prácticas artísticas ligadas a la imagen en movimiento y explora la relación crítica entre las artes visuales, las instalaciones basadas en películas y la cultura contemporánea en general.

Atravesando una multiplicidad de medios, las obras de Sharon Lockhart (Norwood, EE.UU., 1964) ponen especial foco en la actividad humana y sus modos de organización, ya sea social o individual. Concretamente, sus películas abarcan ámbitos que van del trabajo al deporte, del juego infantil a la coreografía, abordando la complejidad y la profundidad poética de movimientos aparentemente simples. Escuetas e inapelables, sus obras son ejercicios de observación que llegan a desdibujar los límites entre el cuerpo y la cámara, entre la puesta en escena y el privilegiado punto de vista de la audiencia. En la medida en que lo documental y lo performativo se funden en una sola expresión, la existencia del mundo se vuelve tensamente palpable a través del hecho mismo de ser documentada. Mediante la inmovilidad de la lente, se pone de relieve la aspiración moderna a la objetividad técnica y, de este modo, las situaciones se presentan como si se estuvieran filmando a sí mismas.

Lockhart lleva la mecánica del cine hacia una forma de autorreflexión meditativa, un encuadre en el que los intérpretes -actores, individuos, cuerpos- se manifiestan como portadores concretos de presencia, gesto y relación. La atención que presta la artista a la consistencia y a los límites de la autoría es intrínseca a su investigación de la objetividad y de la reproducción automatizada de la realidad visual a razón de 24 fotogramas por segundo. La realidad crea la película tanto como su realizadora y, una vez que movimiento y luz se codifican como película, se pueden reanimar y analizar a través de una reproducción sin fin.

Los meticulosos ademanes y posiciones de la bailarina son expresivos sin ser figurativos. Resultan sencillos y singulares: son abstractos, si bien se oponen a la cruda angulosidad de los volúmenes grises dispuestos detrás de la bailarina y por todo el espacio de la instalación.
En la instalación Cuatro ejercicios de la Notación del Movimiento Eshkol-Wachman (Four Exercises in Eshkol-Wachman Movement Notation, 2011), la bailarina Ruti Sela-colaboradora de Eshkol y miembro de su Chamber Dance Group desde 1969 hasta su reciente fallecimiento- ejecuta medidos movimientos entre cuatro volúmenes grises idénticos, diseñados por Lockhart como referencias del espacio que ocupa el cuerpo de la bailarina según se mueve en cada ejercicio.

CHARLAS CON ARTISTAS: Sharon Lockhart.

Fuente: Museo Guggenheim Bilbao

El Museo Guggenheim Bilbao es obra del arquitecto canadiense-americano Frank Gehry y representa un magnífico ejemplo de la arquitectura más vanguardista del siglo XX. Con 24.000 m2 de superficie, de los que 9.000 m2 están destinados a espacio expositivo, el edificio representa un hito arquitectónico por su audaz configuración y su diseño innovador, conformando un seductor telón de fondo para el arte que en él se exhibe.
En conjunto, el diseño de Gehry crea una estructura escultórica y espectacular perfectamente integrada en la trama urbana de Bilbao y su entorno.

La línea del ingenio presenta una selección de obras que se caracterizan por su naturaleza humorística, experimental, inteligente e inquisitiva. Estas piezas, que datan de la década de 1950 hasta el momento presente, están concebidas con materiales y técnicas inusuales, y trastocan las convenciones estéticas de forma lúdica, con ingenio y perspicacia. La muestra reúne a artistas de varias generaciones que trabajan con distintos medios e incluye piezas muy significativas de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao que apenas han sido expuestas, junto a otras muy conocidas. La combinación de lo elevado y lo popular, lo ordinario y lo sublime, lo serio y lo irónico recorre la exposición, desafiando las jerarquías en las que se fundamentan las bellas artes.
Organizada temáticamente, La línea del ingenio está estructurada en tres secciones que abordan la naturaleza experimental de la creación artística a través de un conjunto cohesionado de obras realizadas por significativos autores contemporáneos y también del período posterior a la Segunda Guerra Mundial.

La línea del ingenio presenta un cuerpo de obras pertenecientes a diferentes estilos y movimientos, cuyos temas se abordan recurriendo específicamente a lo perspicaz, lo experimental y diferentes prácticas artísticas. Dialogando entre sí, las obras ofrecen la posibilidad de apreciar las decisiones clave tomadas por sus autores a la hora de elegir sus materiales y técnicas (reflejo de sus diversas metodologías artísticas y procesos individuales).

EL CAMINO DE LA EXPERIMENTACIÓN

Fuente: Página web Museo Guggenheim Bilbao

https://www.guggenheim-bilbao.eus/